外国美术史第二章：欧洲中世纪美术

第二章欧洲中世纪美术

第一节早期基督教美术

    公元313年，罗马皇帝君士坦丁颁布米兰敕令，承认基督教的合法地位，并宣布这一曾经长期遭到罗马帝国镇压的新宗教为国教。这时的罗马帝国已处于分崩离析的前夜，基督教作为下层人民的信仰和意识，为结束古罗马的千年帝国起了推波助澜的作用，取得了合法地位之后，又作为统治者的工具来控制人民的思想。早期基督教艺术就反映了这个过渡时期的一些典型特征。
    基督教在公元1世纪开始秘密流传于罗马帝国的疆域。因为处于非法地位，信徒们只能在私人宅邸内举行宗教仪式，这种早期的秘密宗教场所被称为"民古教堂"。后来为了逃避官方的搜查，这种仪式便转移到一种公共地下墓窟，这种墓窟是用于合葬基督徒的，在墓窟的天顶和墙壁上画满了各种圣经题材的壁画，因此它成为早期基督教艺术的宝库。这种形式主要流行于罗马城区，如罗马的普里斯拉地下墓窟，约建于公元3世纪，其闻名于世的是天顶壁画《善良的牧人》。这是早期基督教艺术最常见的的题材，在造型手法上还继承着古典的传统，形象准确而逼真。基督肩托羔羊站立，生气勃勃，线条简明流畅，使人联想到古希腊瓶画，四周的图案暗示出基督教最重要的象征十字架。
    基督教合法化之后，它的集会和仪式便回到了地面上，也开始兴建正式的基督教堂。但基督教没有自己的建筑传统，只好借用罗马现成的建筑形式。罗马有一种常见的公共建筑，平面呈长方形，中廊较宽，两旁有列柱分隔出过廊，平时供市民集会使用，称为"巴西里卡"。基督教徒把它直接搬用过来，在一端加上祭坛，并饰以宗教题材绘画，这种形式为以后的西方基督教堂的样式定了基调。
    公元320年前后开始兴建的圣彼得教堂是规模最大的"巴西里卡"教堂之一，因为建于山腰上，在入门处外加了壮观的阶梯。建筑分为两部分：前面是一个方形院落，三面有过廊。正殿入口是巨大的柱廊，内有净身用的喷泉。殿堂分为5个长廊，以4排柱子分隔，中间最高最宽，长廊的顶端是祭坛，上有半圆形的拱顶，祭坛与正殿之间还有左右两个横廊，称为袖廊。
    基督教曾遭受了200余年的迫害，不少信徒为之殉身，对"殉教者"的崇拜是教徒精神生活的一部分。教徒们在死去的教友亲人的石棺上刻上宗教内容的雕刻，寄托自己的信仰和对死者的祈祷，但在表现手法上与古罗马石棺的雕刻风格无大差别。

    第二节拜占庭美术

    公元330年，君士坦丁大帝迁都拜占庭，即今天土耳其的伊斯坦布尔，改称君士坦丁堡。公元4世纪，罗马帝国一分为二，分为东、西罗马帝国。西罗马帝国仍以罗马为都城，而君士坦丁堡就成为东罗马的国都，史称拜占庭帝国。拜占庭帝国一直存在至1453年。而西罗马帝国却在公元5世纪被来自东方、北方的日耳曼人、汪达尔人等游牧民族所灭。相比之下，东罗马帝国受"蛮族"破坏较少，经济、政治都比较稳定、繁荣。而且，东罗马的主要疆域正是古代希腊文化发达的中心地区，昔日罗马帝国的强盛之势也在这儿留下了踪迹，因此在拜占庭的艺术中可以明显看到古希腊罗马传统的强大影响。而且早期基督教艺术与拜占庭艺术之间没有明显的界线，直到6世纪，东罗马人与西罗马人的艺术也并没有显著的不同。所以说在这之前，东、西两个地区对早期基督教艺术都有贡献。从君士丁大帝开始，罗马帝国的政治中心就开始向东迁移，这种迁移当然也涉及到文化，直到查士丁尼皇帝时（527-563）才停止，这时的君士坦丁堡不但在政治上超过西方，而且也成为艺术上的中心。
    拜占庭帝国的基督教文化是政教合一的产物，为宗教和王权服务。皇帝是当然的教会领袖，他不仅代表世俗权力，也象征神的意志，因此体现这种精神的拜占庭艺术形象总是威严庄重、动人心魄的。严格程式化的艺术形式经高度提炼和简化，更赋予形象以稳固、永恒的精神。拜占庭的神像必须在天神与君王之间取得统一，皇帝有权干涉教会，不让教会利用神像过分地显示自己的力量，9世纪的反偶像运动就是这种斗争的结果。偶像问题的斗争开始于公元726年，当时由于皇帝发布公告，禁止一切宗教制作偶像，使偶像与反偶像之争延续了100多年。皇帝和东方行省的人民坚持反偶像，他们认为偶像会使宗教变为迷信，主张将宗教艺术变为抽象的象征，以植物或动物象征宗教人物。赞成偶像崇拜的是僧侣和西方行省的人民。这种争论在教理方面牵涉到耶稣、人性与神性间的双重关系。在政治和社会方面，斗争的根本问题在于政教双方对权力的争夺。
    拜占庭的建筑主要继承罗马风格，早期教堂建筑主要沿用罗马陵墓圆形或多边形的平面结构和万神庙式的圆穹顶。穹顶结构被加以变化，形成由大小不同的穹顶连续构成开阔高大的内部空间的特殊样式。到拜占庭帝国的中后期，四边侧翼相等的希腊十字式平面取代了圆形、多边形形式，成为教堂布局的主要模式，穹顶被沿用下来，成为控制内部空间和外部形象的主要因素，圣索菲亚大教堂是拜占庭艺术中最辉煌的成就之一。圣·索菲亚（Hagia Sophia）就是圣智慧的意思，这个教堂建于公元532-537年，是在532年君士坦丁堡暴乱中被烧毁的圣索菲亚教堂的废墟上重建的。教堂在构思和技术上受罗马万神庙的影响很大，产要部分是一个巨大的半圆穹顶，东西两头连接着两个半圆穹顶每个半圆左右两端又接上更小的半圆穹，南北两边则是圆拱形墙体，下面由两层列柱和厚实的墙体支撑，列柱后面又有侧廊，这样就形成了一个高大宽阔、气势磅礴而又节奏分明的内部空间。首先，它的平面结构、窗间壁柱外的飞梁仍能使我们想起巴西利卡式的特征。其次，圆顶是在4个拱门之上，上面整个圆顶的重量都经过4个拱柱传达到4个角的方块柱上，而拱门下的墙并没有负担重量的功能。拱门上方的圆是圆形和三角形的中间体，是方的门与圆的顶的过渡，它可以使圆顶建得更高、更轻、更经济。从这两点上说，拜占庭的圣索菲亚教堂混合了东方与西方、过去与末来的结构，是一个气魄雄伟的混合建筑。我们从中能充分体会到圆顶在宗教建筑中的心理功能。圆顶似乎是浮在教堂上方，下面有一圈窗子，中堂两边墙壁上也都开着窗，光线与圆顶的组合，仿佛造就了一个光芒万丈的天堂。再加上那些闪亮的镶嵌画，仿佛使人置身在一个非现实的幻景里。15世纪土耳其人入侵后，把该教堂改成清真寺。
    镶嵌画在拜占庭艺术中占有特殊的地位，这种以小彩色玻璃和石子镶嵌而成的建筑装饰画，成为教堂内部装饰的主要形式。它最早出现在公元前3000年苏美尔人的艺术中，当时使用的是小块石膏，在古希腊罗马则使用大理石。拜占庭镶嵌画以玻璃为主要材料，这是因为它能反射出强烈的光彩，好像是小型的反射镜一样排列在一起形成一片非物质的闪光幕帘，达到一种虚无缥缈的效果。这时期最著名的镶嵌画在意大利拉文纳的圣维他尔教堂。公元540年，查士丁尼皇帝占领了拉文纳这一东哥特王国的首都，并以此为东罗马帝国在西方的中心，圣维他尔也成了查士丁纪的皇家教堂。在教堂的主祭坛上方是镶嵌画《荣耀基督》，两边是表现皇室参拜的镶嵌画，一边是《查士丁尼皇帝和廷臣》，一边是《皇后提奥多拉和女宫》。人物都被不成比例地拉长了，但显得非常肃穆、庄严。色彩和明暗变化被提炼到最纯粹、最简洁的程度，丝毫不强调立体感，仿佛人们面对的不是活生生的人，而是抽象的精神符号。他们穿着华丽的服装，珠光宝气，织锦彩缎更为画面增添了几分神秘感。所有的人物既没有动作，也没有变化，时间与空间也由此被升华为一种永恒的存在。人物与地面的垂直悬浮关系，仿佛宣称着这凝结在金色闪光中的一切是一个折射的天堂而不是人间的景象。画匠们是要我们把皇帝与皇后当作耶稣与圣母的。在提奥多拉的外衣边上有三王礼拜的故事，同时查士丁尼两旁的12个随员象征耶稣的12个门徒。这种人与神的混淆也正是政教合一体制所需要的。

    第三节蛮族艺术和加洛林文艺复兴

    公元5世纪，来自东方、北方的日耳曼人、汪达尔人等游牧民族，大规模迁徙到罗马帝国的核心地区，最终导致了西罗马帝国的灭亡。由于这些民族尚处于原始公社的生产水平，经济、文化远落后于罗马，故被称为"野蛮人"或"蛮族"。他们的入侵从另一方面推动了历史的前进，他们摧毁了罗马高度发达但已逐渐衰败的奴隶制度，最终确立了封建制度在欧洲的地位，特别是在文化意识和艺术创造上为欧洲输进了新鲜血液。
    在蛮族艺术的遗物中，主要是手工艺美术品，大多是以金属模铸、错镀金银、镶嵌玉石、髹绘彩画等手段制成的日常用品。例如，1939年在英格兰东海岸的萨顿胡发掘出土的钱包盖，据考定，它出自625-633年间东盎格鲁人国王的墓葬。这个铜制的钱包嵌有宝石和珐琅装饰，制作精致、色彩美妙，在图案设计中将抽象与具象的因素、固定程式与自由想象结合在一起。值得注意的是两旁伴有野兽的人形、鹰鸟组合以及野兽相斗的缠绕纹样，这些图案设计的动机可以在远古西亚的苏美尔艺术和地中海地区的古罗马艺术中找到根源，而此时的盎格鲁-撒克逊人正处于转向基督教的前夜，这种工艺品揭示出克尔特-日耳曼动物风格的来源和迁移状况，在艺术史上有着重要地位。
    日耳曼民族的这些动物形态通常以金属制品为主，但也出现在木制的或石制的作品中。或者在手抄本的插画上。在挪威南部的奥斯堡出土了9世纪初期的一个木制兽头，它是维金民族船头的一个饰物，造型上表现出一种稳定的特点，显示了与铜制的钱包盖的一致性。在牙齿、鼻孔等地方充分展示出一种基本的写实倾向，在兽头的表面有一层交错的几何形花纹更明白无误地揭示出它和金属制品的亲缘关系。作为一个船头的饰物，它无疑带有萨蛮教的色彩，象征着避邪与祈神福。
    到公元8世纪，当年的蛮族已成为横行欧洲大陆的封建领主，法兰克国王查理曼历经数十年战争，把西欧大部分地区统一起来，终于建立起加洛林王朝，在罗马接受册封，成为西罗马覆灭300余年后西欧的第一个皇帝。查理曼的理想是恢复昔日罗马的繁盛，在文化上恢复罗马的传统，同时也希望借此恢复罗马帝国的封号。将辉煌的文化传统注入这些半野蛮民族血液中的愿望使这位皇帝亲自领导了这次文艺复兴。他召集了一批文人学者在首都阿琛收集整理古籍，让艺术家仿照古典样式进行创作，以宫廷为中心形成了复兴古典文化的潮流，历史上称之为"加洛林文艺复兴"。这次复兴的最大意义在于将北欧的日耳曼精神与地中海文明成功地融合在一起。阿琛王宫是查理曼时代最重要的建筑工程，为了体现复兴古典的愿望，王宫教堂的设计以拉文纳的圣维他尔教堂为蓝本，平面布局和结构基本上保持了圣维他尔的特点，只是在内部的处理上不像圣维他尔那样活泼而更偏重于统一性和整体性，显得庄重严肃。尽管如此，它仍然体现出查理曼帝国对古罗马的向往。事实上在北欧建立一个这样的教堂非常不易，其中的圆柱和青铜栏杆都来自遥远的意大利。这个教堂还运用了罗马建筑中的方形柱和拱门。最引人注目的要属教堂西面的入口了，由于当时罗马在阿琛的西面，阿琛所有教堂的大门都一律朝向西面，这一向西的入口建筑也叫"西面工程"。"西面工程"就是在阿琛王宫教堂第一次出现，即正西面的入口处有两座高塔。这种建筑样式是北方的城堡与南方罗马风格结合的产物，在反映出对罗马向往的同时也成为后来罗马式教堂的基本形式。
    由于加洛林王朝重视恢复古典文化，在宫廷罗致了文人学者整理古籍，著书立说，自然也促进了书籍插图艺术的发展。《圣马太》是"查理曼福音书"的插图（约800-810），它在风格上力图恢复古代的写实手法，在构图、造型和人物的精神状态上都达到了极高的水平，充分显示出"宫廷派"绘画所具有的写实技巧。而比它晚约二三十年的另一幅《圣马太》插图却反映出新的加洛林绘画语言。在《艾伯总主教福音书》的一页中，虽然有明显的"查理曼福音书"的痕迹，但是画面却充满着一种活力，画中的每一件东西似乎都被风裹了起来，这位传道者已经由以前平静的罗马作家变成了一位受圣灵引导的先知，显出全心依赖上帝的意愿和一颗虔诚、单纯的心灵。
    查理曼死后，加洛林帝国随之完结，但"文化复兴"影响却延绵不绝，特别是在号称"神圣罗马帝国"的奥托王朝，继承了加洛林的传统，并发展出一种肃穆宏大的风格，在恢复圆雕形式上也迈进了一大步。科隆大教堂中《杰罗的十字架》是奥托王朝时期的代表作，具有纪念碑式的规模，带有强烈的情绪表现，钉在十字架上的基督也被前所末有地表现为半裸体，艺术家着重强调的是受难的肉体痛苦，沉重的躯体、向前凸起的腹部更加重了双手和肩膀的负重，给人一种无法忍受的痛苦感。面部很深的阴影、多边形的凹凸面将所有的生命力从脸上抹去，更加深了这种惨痛。从《杰罗的十字架》，我们可以看到拜占庭艺术的若干影响。《圣米迦勒教堂》（1010-1033）体现了奥托时期建筑的典型风格，它极其强调对称：完全一样的袖廊，一样的角楼以及中堂中成对的圆柱。应该说，圣米迦勒教堂确定了德意志地区在中世纪建筑中的独立地位。

    第四节罗马式美术

    罗马式美术本身就是一个极其复杂的概念，在欧洲相当长的一段时间里，人们将哥特艺术以前的所有艺术都称之为"罗马式"，或者指在13世纪以前凡是与地中海艺术传统有关的东西。按这个标准，查理曼帝国和奥托帝国的艺术都应称为"罗马式"。随着对中世纪艺术研究的深入，学者们逐渐意识到"罗马式"这一概念的含混性，但至少目前对于"罗马式有这么几点是可以肯定的：10世纪之后，西欧经济水平提高，封建制度稳固；作为社会精神支柱的教会势力也与贵族力量并行发展，特别是修道院制度更为完备；十字军东征和大规模的传道活动扩充了教会的势力和影响；对圣人遗物的崇拜，掀起了各地朝拜的热潮。经济的发展和宗教狂热使新的教堂和修道院层出不穷，为了追求更加壮观的效果，这些建筑普遍采用类似古罗马的拱顶和梁柱结合的体系，并大量采用希腊罗马时代"纪念碑式"雕刻来装饰教堂，因此这个时代的风格被称为"罗马式"。" 罗马式"概念的含混性意味着罗马式艺术与加洛林文艺复兴、奥托王朝艺术有着千丝万缕的联系。除此之外，罗马式艺术还有许多不太明显的外来影响：古希腊时代的古典艺术，早期的基督教、伊斯兰教、拜占庭和克尔特-日耳曼的传统。所有的这些风格在11世纪最后完全融合在一起。
    从地理上说，罗马式建筑分布在天主教盛行的地区：从西班牙的北部到莱茵河地区，从英国到意大利北部。这时的教堂不但数目比以前多，而且更巨大、更华丽，在外部墙面上有许多建筑装饰品或雕刻。罗马式教堂是从巴西里卡式演变过来的，并开始用石头屋顶替代过来的木顶。为了支持石头屋顶的重量，在结构上广泛运用拱券，创造出用复杂的骨架体系建筑拱顶的办法。同时，丁字形的巴西里卡式发展成为拉丁十字形，以满足复杂的宗教仪式容纳更多教徒的需要。在封建割据的情况下，罗马式教堂前后往往配置碉堡似的塔楼，后来塔楼逐渐固定在西面正门的两侧，成为罗马式建筑的标志之一。
    最丰富、最有地方色彩、最具有创新观念的罗马式建筑风格在法国有生动的表现。南部图鲁兹省的圣赛尔南大教堂是我们讨论罗马风格的第一个例子。它和这时一些朝圣教堂一样，建在朝向西班牙北部圣地亚哥的路线上。从平面上看，圣赛尔南部比奥托帝国的圣米迦勒教堂更为复杂也更为统一，它的平面图是一个经过强调的拉丁十字架的形状，重心在东部的一端。这也表明教堂的功能是用来容纳众多的善男信女，而不是给修道士修行的，从另一侧面上反映出宗教的繁荣发展。教堂内部由立柱隔成许多个方形的小单元。在边廊尽头的塔楼和中堂里众多穹顶进一步反映出它的罗马式风格特征，然而它只是罗马式风格的开始，真正罗马式风格的形成以英国杜勒姆教堂的建成为标志。杜勒姆教堂在苏格兰和英格兰边界北部，它始建于1093年，虽然它的平面设计较为朴实，但是中堂却是圣赛尔南教堂的3倍，这意味着它的拱顶必须更能负重。教堂东边的拱顶完成于1107年，西边的拱顶完成于1130年，它们架在有三层楼高的中堂上，这种设计可以容纳更多的信徒。教堂内部由立柱隔成许多小长方形单元而不是以前的方形单元。中堂上的每个拱券与拱券之间有两个"X"型的设计，这就是我们通常所说的肋拱。它显然是稳定穹顶的骨架，于是肋拱间的天花板可以非常薄，这样一方面减少了天花板的承重，一方面也可以增加它的坚固性，而且在顶上一边可以加一个气窗。这种肋拱的出现以杜勒姆教堂最早。早完成的拱顶是圆形，后完成的拱顶是尖形，显然这是由建筑师不断改进尝试的结果。作为代表性的罗马建筑还有德国的圣基列阿达教堂、意大利的比萨教堂。值得注意的是著名的比萨斜塔作为教堂的塔楼是与教堂的主体工程截然分开的。
    罗马式艺术复兴的另一个显著特征就是石雕的复兴，因为此前除了一些小型的金属雕刻以外几乎没有什么大的石刻，浮雕也都比较浅，稍微大型的雕刻杰罗的十字架也只是木雕而已。罗马式石雕的复兴最早发生在法国西南部和西班牙北部，也就是在通向圣地亚哥朝圣的路上。石雕的复兴与朝圣的行程关系很密切，它们多分布在教堂的外部用来吸引、引导善男信女们。和罗马式建筑一样,石雕在1050-1100间50年的快速发展,深深体现了当时人们对宗教的狂热.在圣赛尔南教堂至今仍保存着当时的石雕,表现的是一个传福音者,与早期的浅浮雕相比,它们更具有三度空间感。其粗犷、沉重的风格,显然是为了吸引远处的视线。结实的形体、古典的气魄，都反映出罗马晚期雕刻的影响。罗马式教堂广泛使用雕塑装饰，在教堂正立面通常有一块半圆形的凹进去的空间，俗称"拱角板"，这里往往安装一块最大的浮雕构图，取材于"最后的审判"。法国奥顿教堂上的这块浮雕很有代表性，作为审判者的耶稣在构图中央占有很显著的位置，围着他的是一个象征荣誉光辉的椭圆图形，左边描绘的是接受善者入天堂的情景，右边是天使为罪人衡量善恶比重把他们赶入地狱的场面，下面一层是复活的人们。人物都被夸张和变形，拉长的比例、细小的头部、不自然的动态、恐怖的面部表情构成了中世纪艺术特有的造型。
    在工艺品方面具有代表性的作品有《哈斯廷之战·诺曼入侵者渡过海峡》（1070-1080）。这是为纪念诺曼国王威廉占领英格兰而制作的亚麻布羊毛刺绣。挂毯描绘了威廉征服英格兰的过程。作品将故事性的叙述和装饰趣味融合在一起。挂毯的主要部分用两条长边框起来，上面有纯装饰性的图案，下面是阵亡的战士和马匹。尽管是一件工艺品，但它仍能反映出和当时手抄本插图一致的绘画风格。以轮廓线来表现运动，在轮廓线中以鲜明、平涂的颜色填满，于是画面上的三度空间的感觉就减低成平面的重叠。这种抽象、明朗和新鲜的感觉是罗马式艺术所特有的。从这件作品中，可以看到英格兰传统绘画风格如何演变为一种"罗马式"的盎格鲁-诺曼风格，它也是这个时代极其难得的一件世俗题材的作品。

    第五节哥特式美术

    意大利文艺复兴者把12、13世纪到他们时代之间的艺术称为"哥特式"。他们认为那都是"蛮族"哥特人所作，事实上，这种艺术可以说与哥特人没有多少关系。但是，哥特式艺术却无疑是整个中世纪艺术发展的一个顶点。它开始于建筑方面，而后才逐渐波及到雕刻和绘画。纵观整个哥特式艺术，它的发展重点是从追求建筑的效果而转向绘画的效果的：早期哥特式雕刻和绘画都是巨大建筑的一部分，而晚期的建筑和雕刻则追求平面装饰性的效果，不再追求结实和简洁的处理。
    哥特式艺术开始于法国巴黎及其附近的地方，确切地说开始于1140-1144年路易七世的掌玺官苏热重修圣德尼教堂之时，而后才开始波及全欧洲。这次改建首次系统地应用了以肋穹结构为基础的新建筑体系，这套体系经历了随后百余年的发展，到13世纪中叶趋于成熟。圣德尼教堂内部有双层回廊，但这并不使内部显得拥挤，相反，细长的拱门、肋架和支持拱顶的圆柱使其格外通畅、轻巧。这种轻巧首先表现在彩色的玻璃窗已扩大到整面墙，其次是内部结构在形体上优雅而富有韵律。之所以如此是因为建筑师在玻璃窗外面修了一道扶墙，于是拱顶向外的冲力就被分担了。当时所有土木工程的支持重点都集中在这些扶墙上，由于负重区域被挪到教堂外部，内部也就更为轻巧、空旷了。在圣德尼教堂中体现出一种不同的于以往的思想和精神，这种精神就是强调严谨的几何形造型和对于明亮光线的追求。苏热在修建教堂工程中就一再强调这两点，他认为比例的协调感就是美的根源。
    圣德尼教堂表明了一种新的建筑风格，这种风格从本质上区别于罗马式建筑：首先，后者有着结实而厚重的墙壁，而前者具有轻盈、纤细的结构。罗马式教堂建有沉重的拱顶，其稳定性取决于足够厚实的墙壁，以支撑各种各样的压力和应力。圣德尼教堂的设计者们开始采用尖券和肋拱来减轻拱顶的重量，它们比半圆形的拱顶更为稳固，并能够跨越各种形状的开间，在肋拱间填以很轻的石片和纤细的墩柱便可支撑拱顶的重量了。其次，在罗马式建筑中，窗户总是很小，而现在，窗户的尺寸大大增加了，允许空前规模地采用彩色玻璃画。第三，圣德尼教堂的平面遵循了带有呈放射状分布的礼拜堂的后堂回廊式型制，但这些礼拜堂不再像早先建筑那样呈孤立的单元。礼拜堂间的墙被除去了，造成了一种统一的空间效果，两排呈半圆形排列的承重圆柱对统一的空间进行分节。昏暗的罗马式室内被宽敞、开放、充满各色光线的结构所取代。
    最著名的哥特式建筑是法国巴黎圣母院。它的兴建与11世纪初期以来城市的再次繁荣大有关联。它不仅作为当时巴黎最重要的宗教活动中心。而且也以建筑艺术上的高超水平而饮誉欧洲。这座教堂建于1163年，充分显示出圣德尼教堂的直接影响。在平面的布局中它强调的是长度轴心，中堂的若干布局虽然保留了罗马式教堂的特点，但大气窗上的窗户、室内的采光和所有形体瘦长的造型等等都创造了一种显著的哥特风格。教堂内部的所有细节都充满着上升的直线，这样室内空间也相应地具有了哥特风格所有的"向上高升"的感觉，这与罗马式强调巨大的支撑力是大不相同的。圣母院内部分为3层：下层以柱廊和尖拱构成，中层是带侧廊的隔层，上面为明亮的玻璃窗。三层之间以细长的石柱相连，最后集于肋穹中心，各层皆以尖拱相互呼应、统一。这种和谐而极具逻辑性的建筑语言，是基于经院哲学的体系和思维方式。巴黎圣母院的西面工程也别具一格，各个部分在比例关系和组合方式上极为成功，以中间圆形为玫瑰窗为中心向四周放射状地分布着门洞、窗户和末完成的塔楼（塔楼应该是尖顶的）达到了整体上的完美均衡。这一面最大的特点在于它把所有细节都互相配合成为一个平衡、协调的整体，苏热当时所竭力强调的结构上的协调、数学的比例与韵律，在这里得到了比圣德尼教堂更完美的体现。
    12到15世纪是经院哲学高度理性化的时期，它要求对教义的解释和形象再现必须遵循严格的规则秩序，作为教堂的主要装饰物的雕塑创作也必须循着固定程式布局。但是由于苏热在圣德尼教堂修建过程中对雕刻的重视，使得这一时期的雕塑呈现出越来越脱离建筑结构而走向独立的倾向。其表现手法也越来越写实，自觉模仿自然形象，特别是追求感情的表现，形成所谓"哥特式现实主义"。
圣德尼教堂的西面工程做得十分庞大，上面有很多雕刻，但是这些大门已遭到严重的损坏，我们已无法了解雕刻在哥特式早期建筑中的作用。在巴黎圣母院中，雕刻被归纳到建筑外框部分。最能反映哥特式艺术雕刻成就的是法国的夏特尔教堂。在教堂的入口处两侧排列着的柱像是从建筑结构演变出来的雕刻装饰形式，这种柱像日益脱离建筑而成为独立的雕刻作品，人物形象不但从僵直而紧贴柱子变为高浮雕的形式，而且还表现出身体动态的左顾右盼，突破了建筑结构的限制，同时每个人物都有其独立性，它们甚至是可以脱离支柱的。它们代表着一种革命性的变化，那就是开始重新恢复古典时代以来的三度空间的圆雕。显然这种尝试也只是刚开始，它们都是用圆柱作为人体的基础，比例也不甚准确，但由于是立体的，所以比罗马式雕刻更多一种独立存在感。在头部所表现出的温和的特质中，充分显示出哥特式雕刻的写实特征。这种所谓写实特征是一个相对的概念，它是与罗马式雕刻中幻想、变形的手法比较而言的，在这里出现的人物通常有着安静、严肃的表情和不断增加的体积感。另外，教堂外部侧柱上的雕像将3个大门的景象连在一起，它们分别代表圣经中的先知、皇帝和皇后。之所以这样设计是为了把法国的君主作为旧约中帝王的继承人，以强调现实和宗教精神的统一，那就是将教士、主教与皇帝放在一起。总之，在夏特尔教堂里，我们看到了一种良好的倾向，那就是用人类的智慧来恭维上帝的智慧。在德国的瑙姆堡教堂，还出现了最早的供养人形象。这是当时两个著名的贵族人物，名为埃克哈特和乌塔。事实上这一对男女与艺术家并不生活在一个时代，艺术家只是从文献记载上获知他们的姓名的，然而对却能将他们的形象表现得栩栩如生。逼真的人物形象、比例准确的造型、庄重而多愁善感的面部表情，反映出中世纪艺术越来越向世俗化和现实性方向发展了。但是从风格上说，它们代表的是哥特式艺术中的古典主义倾向。
    哥特式的建筑和雕刻在圣德尼和夏特尔大教堂分别产生了，而绘画却一直发展得比较缓慢。这时的绘画成就除了体现在手抄本的圣经插图中，还体现在大批的彩染玻璃上。收于苏热要求教堂内部照射连绵的彩光，于是玻璃画一开始就成为哥特式艺术不可分割的一部分。在技术上，玻璃画的技巧最晚成熟于罗马式美术时期。但在哥特美术发展时期，当时的设计们吸收了建筑和雕刻的特点，逐渐形成了哥特式玻璃画风格。为时玻璃画的代表是法国布杰大教堂中一系列旧约先知的肖像。这些彩染玻璃画并不是由一整块玻璃组成的，而是由几百块小彩色玻璃组合，中间用铅线连接而成的。由于中世纪玻璃制造工业的方法较为原始，使小块玻璃的尺寸受限制。艺术家并不能直接在玻璃上画画，而是像镶嵌画一样，用不规则的碎片玻璃经过剪裁后嵌在轮廓线中。在诸如眼睛、头发、衣褶等细部，则用黑色或灰色的颜料画在玻璃表面上。
    在哥特式艺术的发展过程中，国际性的传播与地方性的发展是相对和平行的。最早它只是法国的一个地方风格，进而慢慢扩展，到了13世纪，则慢慢和各地风格融合在一起，各地区间又不断交流融合，成为一种统一的哥特式风格。但是这种统一的局面很快又被地方风格所打破。最早出现的急先锋是在佛罗伦萨城，它的风格通常被我们界定为早期文艺复兴。